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澳门新葡亰6609芭蕾舞的演变(六)二十世纪的芭蕾

动作化芭蕾:

二十世纪的芭蕾:二十世纪的芭蕾与其他种类的艺术发展情形一样,本世纪初期的芭蕾也是对先前艺术活动的一种反对回应,此时的芭蕾不再只为展现技巧而设计,是透过舞蹈技巧来表达某种意境,或是传达人们内心深处之种种,角色间的悬殊有了很大的改变,群舞不再只是站立两旁的活佈景,更可喜的是两性在舞臺上的分量已趋平等,使芭蕾除了表现女性之柔美外也可以欣赏到男性的阳钢之气和力美。而一直处於陪衬地位的音乐和舞臺设计到了二十世纪已颇受重视,且已提升到和舞蹈一样的地位。谈到二十世纪的芭蕾,依莎朵拉﹒邓肯(Isadora
Duncan,18771927)这位生於美国,发展於欧洲的现代舞蹈先驱者,是必须一提的。她的舞蹈自然而优雅,有如一首动人的诗或一幅美丽的画,啟发了观赏者的想像力。当1905年她到俄国首都公演,对年轻一代的舞者或编舞者影响很大。尤其是年轻的米契尔﹒佛金(Mikhail
Fokine,18801924)他早就不满於俄国芭蕾墨守成规以及演出的内容大多以展现技巧为主,所以当他看到了邓肯的舞蹈时,他知道那些自然的衝动也曾在自己的内心吶喊过,在受到邓肯的影响之后,他更确定该如何为未来的芭蕾描绘出一个轮廓。1907年时曾在他的新创作品尤尼斯(Eunice)中设计了舞者赤足演出,但当时这种赤脚上臺在姆林斯基剧院是被禁止的,后来改以穿肤色袜子代替。佛金主张芭蕾的表现除了自己具有的技巧系统外,应具有思想内容表现力,并且剧中人物的刻划及动作的產生必须适合於剧情的需要,他努力不懈的推展芭蕾形式的改革,使他成为近代芭蕾的驱动者。这些新的观念,在狄亚格列夫的推动下,在欧洲发展成为二十世纪新的艺术与新的趋势。二十世纪前叶的芭蕾风格,有别於裴堤帕式偏重於技巧展现的古典派芭蕾。他多著重在人性和情感的传达,甚至在肢体上也採用了非古典的传统造型和动作。对於群舞的处理在空间中的排列,突破了传统的对称或时间性的一致,有时也採用了不对称和不和谐的画面来突显时代性创作的不同。运用更多的音乐戏剧张力表达,来代替以往用哑剧动作为叙述故事的工具。新创的舞剧大多偏重在人们内心对事物或大自然的情感诉说,舞剧的表现也改以独幕方式来替代以往豪华且冗长的大场面。二十世纪后半叶芭蕾编舞家的灵感有得自於以往的作品风格、或社会的流行风潮,用更自由的方式去寻求动作的更多可能性,也有从其他种类的舞蹈如爵士舞、踢踏舞或社交舞取其素材揉入自己的芭蕾作品,使芭蕾的内容更接近真实世界的生活,进而更容易使观眾產生共鸣。随著二十世纪对人类身体看法的改变,芭蕾动作转而偏向於较健美型的设计,速度也求快速与慢板有强烈的对比,肢体上的设计也大胆的跳脱了传统芭蕾圆弧线条的要求,而採用手腕或足踝的翘曲造型。这些改变的產生除了芭蕾结合现代舞的表现形式之外,同时也受到现代各项艺术如音乐、美术和戏剧等的影响而扩大了表演的领域,使当代芭蕾朝著前卫激进的方向发展。一八九九年,一个美国人在美国开始脱掉舞鞋跳舞。同样是在面对新时代的十字路口,芭蕾开始走起「现代芭蕾」的路径;另一方面,一个新的舞蹈形式正在萌芽,我们称它为「现代舞」(Modern
Dance)。

三、判别古典芭蕾和当代芭蕾在节目单或广告牌上,我们经常看到古典芭蕾的字样,这是什么意思呢?是芭蕾的类别、风格?还是芭蕾作品的时代标志?应该说古典芭蕾这几个字,
既代表了芭蕾的一种风格,一个类别,又与该作品产生的时代密切相关。但是今天人们一种约定俗成的认识,基本是以20世纪初发生的现代艺术思潮对芭蕾的影响为分界线,在此之前的以遵循芭蕾原有程式规范和风格特征的作品,无论是舞剧还是小型作品,都可以说是古典芭蕾。
而近代产生的许多芭蕾作品,或在题材选择上有别于以往的选材范畴,或在形式上进行了发展创新一一
从生活中提炼了动作语言,或从其他姐妹舞种吸收借鉴了舞蹈语汇和表现手法,形成区别于古典芭蕾的风格样式,这便是所谓的当代芭蕾、现代芭蕾。
属于题材变化的如《红色娘子军》,描写的是中国30年代的故事,所以标示为现代芭蕾舞剧意指反映现代生活的舞剧。
其他国家来华演出20世纪以来创作的芭蕾作品特别是舞剧,并不做这样的标示,应该说也与众所周知的古典芭蕾名剧拉开了距离,不属于古典芭蕾范畴。譬如前苏联的芭蕾舞剧《宝石花》、《罗密欧与朱丽叶》、《斯巴达克》,德国的《奥涅金》,英国的《梅雅林》、《曼农》均属于这类作品。
当然题材的变化不可避免地也带来形式的变化,如《红色娘子军》即吸收了部队生活动作和中国民族舞蹈素材;上述几部舞剧在结构、叙事方式、舞蹈语汇等方面也都依戏剧内容而有较大突破。
对原有的传统芭蕾形式进行了比较大的发展变化的芭蕾作品,当属运用交响乐编舞的交响芭蕾,还有吸收现代舞的编舞方法与技巧、动作,包括服装的变化,更简洁更简便以至只着舞蹈练习服上台的作品。
那么仅从观众的角度看,古典芭蕾与当代芭蕾的主要区别到底在哪里呢?在于是严格地按照芭蕾传统的风格、技法说话,还是根据现代审美观念对动作组合进行一些变形处理。四、了解芭蕾的结构
在长期的舞台实践中,古典芭蕾逐渐形成了一套结构形式,这套形式大约从18世纪末、19世纪初开始,日趋规范。在一部古典芭蕾中,双人舞、独舞、群舞都有经常使用的结构形式。如双人舞是古典芭蕾中的核心舞段,大都用以表现男女主人公的爱情、争斗、厮杀或其他关键性的情节。一般分为出场、慢板舞由男女演员合作的抒情舞段;变奏男女演员分别表的独舞,用高度的舞蹈技巧表现人物的性格、情绪;结尾男女演员穿插表演,最后以合舞结束。
由于双人舞本身结构严谨、层次分明、技艺精湛,往往能反映一部舞剧和表演者的水平,又常被选出作为晚会单独演出或国际芭蕾舞比赛的规定内容。与双人舞结构类似的有三人舞、四人舞、五人舞等,基本上按上面的出场结构,也有只含出场和慢板舞的。群舞是一种集体舞,可以是纯粹的古典舞,如《睡美人》中的华尔兹;也可以是性格舞,如《天鹅湖》中的西班牙舞、匈牙利舞、那不勒斯舞、玛祖卡舞等;还可以是宫廷舞蹈或舞会舞蹈。这些都常用以烘托主要人物,渲染环境、气氛,有时也可以作为独立的晚会节目演出。整个舞剧也有自己的结构形式,如在全剧或某一幕结尾部分,编导也常常安排大型群舞,创造出一种热烈的情绪或壮观的场景,把舞剧推向高潮,由男女主角和群舞演员合作表演。19世纪古典芭蕾结构上的一个重要成就是伴舞队的运用。它是芭蕾交响化的孪生物,与一般集体舞不同的是它不能脱离主角的表演,只作为陪衬。伴舞者在主要角色表演双人舞或变奏时,以各种生动、形象的造型和多变、优美的图案来烘托主角,而在结尾时与主要角色穿插合舞,根据J.-G.诺维尔,关于情节芭蕾的理论,19世纪的舞剧编导们创造出情节芭蕾的结构形式。它是用舞蹈手段来表现和推进发展的重要形式。
20世纪编导创作的大量芭蕾舞作品中,上述规范化的形式已被大大突破,尤其是双人舞,已不拘泥于出场、慢板舞、变奏、结尾这样的刻板程式。

十八世纪中期,芭蕾舞才逐渐脱离歌剧并脱掉面具,而成為一门单独的艺术;促成这项重大变革的是法国芭蕾大师
尚.乔治.诺维尔,他所提倡的「动作化舞剧」是希望能让芭蕾回到强调动作的本质。虽然,他所编作的一百五十几齣舞作几乎不曾再出现於今天的舞臺上;不过,他以书信体的方式写下的舞蹈和舞剧书信集却是最早的芭蕾舞蹈理论著作。他在书中所阐明的「面部表情是人体最有利於表达情感的部分」这观念,更是一直影响到现在。

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